LA DAMA DRAGON

A Dream Come True, la muestra retrospectiva de Yoko Ono elegida especialmente para ser expuesta en Argentina, llegó al MALBA y fue un gran éxito en las vacaciones de invierno.

El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) se caracteriza por exponer grandes obras de arte contemporáneas. Su exterior cúbico, frío, de vidrio y cemento parece reflejar una gran modestia dejando el arte para las obras que alberga en su interior. En este caso la elección fue Yoko Ono, la mujer que parecía ser la sombra John Lennon y rara vez omitía un sonido. Recordada por su pelo largo y oscuro, sus ojos orientales que lo miraban con gran admiración y una sonrisa tímida que a pesar de los obstáculos que la vida le puso sigue intacta. Que esa apariencia frágil no los engañe, la mujer es fuerte y sus mensajes son claros, provocativos y a los 83 años sigue luchando por los derechos humanos a pesar de las críticas.

La artista nacida el 18 de febrero de 1933 en Tokio, es proveniente de la aristocracia japonesa, desde muy chica recibió educación musical tradicional y de las grandes escuelas alemanas por parte de su padre. Fue la primera mujer admitida en la carrera de filosofía de la universidad  Gakushuin, luego se licenció en poesía y composición contemporáneas en la universidad Sara Lawrence College.

En la década del cincuenta comenzó su carrera y desde un primer momento supo que necesitaba expresar un mensaje, para esto decidió inclinarse por el arte conceptual relacionado al Haiku, un estilo japonés de poesía que se basa en mensajes cortos a modo de instrucciones, haciéndolo de esta manera participativo. Otros de sus intereses fueron la música de vanguardia, los films experimentales y las performances que tuvieron muy buenas críticas por parte de artistas reconocidos como fue Marcel Duchamp. En 1964, finalmente publica Pomelo (Grapefruit), un clásico de la artista que contiene estas instrucciones.

En 1966 conoció a John Lennon. El músico asistió a una exposición de Ono sin conocerla y se topó con una de las piezas que está presente actualmente en A Dream Come True. Debía subirse a una escalera y buscar con una lupa la palabra “Si” que está en el techo. Cuando vio cual era la expresión, sintió curiosidad de conocer a la artista que había elegido un concepto con tanta energía positiva y se paró en otra de las clásicas obras, en la que  hay que hacer una fila y clavar un clavo en una madera. Lennon se adelantó y Yoko le pidió que haga la fila. Él le preguntó si no sabía quien era, y ella le respondió que no lo conocía pero que tenía que respetar el turno como todo el mundo. Desde ese momento se hicieron inseparables, se casaron, tuvieron un hijo (el músico Sean Lennon) fueron amenazados por el gobierno de Estados Unidos, odiados por los fans de los Beatles que culpaban a la pareja de la disolución de la banda y se convirtieron en socios de una serie de obras de arte variadas que incluyen películas, performances, y la banda Plastic Ono Band hasta el asesinato del músico en 1980. 

Después de años de duelo, comenzó su etapa de sanación, decidió volcar todo su dolor en el arte y perdonar al asesino de John, Mark Chapman. Este fue el mayor acto de amor y paz que tuvo que hacer en su vida. Actualmente se interesó por las exposiciones virtuales y se adaptó a los tiempos modernos innovando y actualizando sus obras clásicas pero reforzando los fuertes mensajes sociales que la caracterizan.

La exposición comienza con una instrucción desde el primer momento, en la puerta del museo está impresa la palabra Sueña, en el ticket nos invita a rendirnos a la paz. Subamos las escaleras y dejémonos llevar por este sueño hecho realidad. En la sala cinco del nivel dos podemos ver una galería de fotos retrospectiva de los momentos más importantes en sus obras. Si bien no existe un orden para recorrerla, Su rostro cantando en un primerísimo primer plano, plasmado en una gigantografía es la bienvenida perfecta para quien se atreva a transitar esta instalación que no es para cualquiera. Así como sus piezas musicales fueron mundialmente tituladas “Los alaridos de Yoko” se necesita mucho coraje e intuición para saber interpretar los mensajes crudos de la artista, para entender su humor ácido o empezar un viaje de auto-examen de la consciencia. 

Su muestra apunta principalmente al concepto del arte como mercancía. Por este motivo su obra es simple y cargada de mensajes de acción entre el artista, la obra y el espectador, haciéndolo participe y quitándole la atención a los objetos para que se convierta en un concepto puramente realizado por el público. De esta manera,  se corre del papel de autora y comparte la creación de su trabajo, que se vuelve eterno en el tiempo, por sus múltiples y variadas reproducciones de acuerdo a la cantidad de seres humanos que estén accionándolas. Este lenguaje simple permite que sea entendido por todo el mundo y deja que los espectadores actúen desde un primer momento al seguir sus instrucciones que están basadas en acciones cotidianas como sonreír, respirar, prender un fósforo. Sin embargo poseen un trasfondo que invita a reemplazarlas por otras actividades dedicadas a hacer el bien, cambiar la mentalidad, ser solidario, amar, ser feliz, y que de esta manera estas últimas sean también, simples y cotidianas.

Entre algunas de las instrucciones que están plasmadas en vinilo sobre las paredes se pueden leer las siguientes: “Trae una escalera pintada de dorado que te guste. Se consciente de tu elección- el tamaño que tenga y el material de que este hecha la escalera- van a determinar tu ingreso al futuro.”; “Intenta no decir nada negativo sobre nadie. a) Durante tres días b) Durante cuarenta y cinco días c) Durante tres meses, observa que pasa con tu vida”.

La exposición se divide en dos partes: por un lado la muestra ubicada en el museo y por otro la intervención en el espacio público y las redes sociales (por ejemplo los carteles publicitarios en la ciudad, en los colectivos, etc.) todas ellas con otros mensajes no expuestos en el MALBA. En total está compuesta por más de 80 trabajos que incluyen objetos, videos, films, instalaciones y registros sonoros producidos desde principios de los 60 a la actualidad, y tiene como eje las llamadas instrucciones, que Ono viene desarrollando desde hace más de sesenta años. En Dream Come True se puede ver la militancia a favor del feminismo, pacifismo y el ecologismo con una clara intensión de hacer un llamado a la consciencia social.

Entre los cortos que se exhiben en la muestra se encuentran los clásicos: Sonríe, video de Lennon sonriendo en cámara lenta, Parpadeo, en el que Yoko abre y cierra los ojos, ambos son de transición lenta. Y los controversiales Bottoms en el que la instrucción es “En lugar de pedir firmas pongan sus culos en filas para hacer un pedido de paz” mientras se muestran imágenes de gente contando sus perfiles totalmente desnudos mientras la cámara enfoca solo los glúteos mientras caminan, con la idea de mostrar que no importa quien seas , desnudos somos todos iguales. También Cut Piece, la famosa performance en la que Ono se sienta y deja que los espectadores le corten la ropa hasta quedar desnuda. 

Estas grabaciones son de los sesentas y setentas y fueron fuertemente criticadas por su contenido crudo, algo que hoy ha cambiado mucho y desataba la risa de la gente, que acostumbrada a los contenidos mediáticos actuales, lo veía de manera inocente. De todas maneras los mensajes no pueden pasarse por alto y en los momentos de gran tensión, las sonrisas se desdibujaban y se comprendía lo que realmente se estaba diciendo a gritos en la expresión inmóvil y asustada de la artista, que dejaba en manos del público su dignidad.

“Es importante que la gente venga a la exposición porque creo que todavía el público argentino no está acostumbrado a participar. Desde que fue la muestra de kusama (Yayoi) acá, se empezaron a acostumbrar un poco más” dice entre risas, con un tono de esperanza, Josefina Barcia la coordinadora de proyectos del museo “ Hace poco leía un artículo que habla de un conceptualismo creativo y la obra de Yoko trata de eso. Cuestiona todo el tiempo el sistema del arte desde una manera muy accesible : los chicos vienen se divierten, los grandes también, pero no por eso es menos profunda. Son mensajes muy fuertes, y aunque muchos pueden venir de curiosos , vale la pena porque fue una mujer muy formada, de las primeras feministas en los años sesentas. Lo que puede parecer efímero y fácil de hacer, no es para nada improvisado, lo hizo en un momento muy controversial”.

Sin dudas, si hay algo impagable con respecto a la muestra, son las instrucciones dirigidas al público, algo que Yoko supo resolver de una manera muy acertada. Si bien se encuentran los clásicos  “Súbete a la escalera y busca el “Si” con la lupa” o la madera esperando ser clavada esta vez, en una cruz cristiana, una de las piezas más intervenidas fue el Árbol de los deseos. Uno debe escribir su deseo en un papel y atarlo al árbol. No es un dato menor que estos tres árboles rebalsaran. Ya sin papeles oficiales, otorgados por el museo se sobre-decoraron con otros improvisados, plasmando los deseos de los 7000 visitantes (y contando) que tuvo la muestra hasta el momento. 

Otra de las más visitadas fue “Enmienda la vajilla”, en donde velaba la siguiente instrucción: “Repara con cuidado. Mientras lo haces, piensa en reparar el mundo”. En esa pieza debían agarrar pedazos de vajilla rota y arreglarlas con cintas. Por un lado el deseo dejado en manos del destino y por otro el deseo de poder cumplirlos por nuestra cuenta.

Pero hubo muchas otras que causaron vergüenza, risas, y que demostraron realmente el punto fuerte de la personalidad y bandera que levanta la japonesa. Entre pasillos armados por biombos orientales un grupo de señoras se adentraba a la jungla de sonidos de animales salvajes que salían por los parlantes. Al llegar a la habitación había solo un papel que decía “Tóquense los unos a los otros”, inmediatamente salieron ruborizadas ante la idea de cumplir esa instrucción. De acuerdo a la premisa del señor y la señora Lennon en su luna de miel, en la que invitaron a los periodistas entrometidos a participar se puede entender el mensaje de esta pieza “Vivían siempre metidos en nuestra vida privada así que dijimos, están invitados a nuestra luna de miel. Cuando entraron parecían bestias desaforadas y sus rostros cambiaron radicalmente al vernos a Yoko y a mi acostados en la cama con nuestra ropa saludándolos”, “Vivimos en un mundo donde nos escondemos para hacer el amor, mientras la violencia se practica a plena luz del día”

Otra de las incumplidas era un lienzo con un agujero en el centro “Saca tu mano por detrás. Recibe a tus invitados en esa posición, dales la mano y conversa con las manos”. Premisas simples e inofensivas, inocentes, con acciones de amor que parecen incomodar más que las imágenes de violencia.  Jóvenes que le pasaban de lado, que se quedaban un segundo y al sentir el peso del rechazo que tal vez podía acontecer, sacaban rápido la mano por miedo a quedar en ridículo. Una vez más, una valiosa lección de una mujer que no estuvo presente físicamente en la muestra, pero que dejó entendida su presencia a través de un teléfono rojo en la entrada: Si suena el teléfono soy yo, Y.O.  

Fotografía por Paul Goresh

Yoko y el feminismo.

“Me siento honrada de ser llamada la dama dragón, el dragón es un animal mítico muy poderoso” ha contestado a periodistas neoyorquinos, cuando le preguntaron cómo se sentía al ser llamada de esa manera por los fans de los Beatles, que la responsabilizaron de la ruptura de la banda en 1970.

Fue una de las primeras artistas feministas de los sesentas, y no solo por elección propia. Tuvo que sobrevivir a los señalamientos de la prensa, la opinión pública, la política y sus propias relaciones personales. Desde la cultura japonesa que es bien conocida por sus tradiciones patriarcales, los críticos que vivían defenestrando sus obras, y luego el odio que despertó al conocer a John Lennon, la ponían constantemente a prueba. Yoko además estuvo casada tres veces, también criticada por sus divorcios, su segundo matrimonio  con Anthony Cox, productor de cine quien le prohibía ver a su hija kyoko Cox fue otro de los momentos más difíciles de su vida. La situación se agravó cuando el gobierno de EE.UU  le dio a elegir entre exiliarse con Lennon a Inglaterra o volver a ver a su hija. Y a su vez el matrimonio con el músico sufrió una ruptura de un año por las infidelidades y celos por parte de él, que era conocido por sus actos de violencia y abandono en su primer matrimonio con Cynthia Powell y su hijo Julian. Hecho que le causó mucho dolor hasta que John decidió ocuparse de su segundo hijo Sean y quedarse con Yoko, dejando la música y recluyéndose a la vida familiar durante un año.

“Con motivo del décimo quinto aniversario del museo se buscaba una figura fuerte, importante en el arte y que sea mujer, porque  Agustín, director del museo, tiene todo un programa de artistas mujeres en sala tres del museo y Yoko Ono es un personaje que tiene  un gran peso y podía liderar esta idea” explica Josefina, y resalta que la deja impactada la participación de las mujeres en una parte de la muestra totalmente dedicada a las denuncias por violencia de género llamada Resurgiendo (Arising). La consigna es mandar un mail desde la página del museo con una foto, contando la experiencia personal. El mensaje dice: “Escucha tu corazón  respeta tu intuición manifiéstate no hay límites, ten coraje, ten rabia estamos todas juntas, sigue a tu corazón, usa a tu intuición, manifiéstate no hay confusión, ten coraje ten rabia estamos resurgiendo”.

La respuesta fue inmediata. Antes de que se abriera la casilla las organizaciones a cargo de la violencia de género ya se estaban comunicando con el museo, miles de ojos en las paredes resurgiendo, mostrando la cruda realidad , es inevitable hacer oídos sordos, es incomodo escapar la mirada. Proyecciones de mujeres siendo acosadas en las calles por cámaras, un pizarrón inmenso pidiéndole perdón a las madres del mundo. Más de dos mil testimonios ya fueron mandados y serán recibidos hasta el 16 de octubre. Tal vez la única pieza de la que deberíamos sentir vergüenza. Y muchas voces valientes que se animan a resurgir y que tienen un lugar para gritar. 

El Evento Agua

Otra de las actividades de la muestra es El Evento Agua. Una remake de la original realizada en Siracusa en el año 1971 con la participación de artistas como John Cage, Richard Hamilton, Nam June Paik, Andy Warhol, Gordon Matta Clark, Olafur Eliasson y Tracey Emin. 

En este caso, se  convocó  los artistas latinoamericanos Liliana Porter, Hernán Marina, Ana Gallardo, Amalia Pica, Rosângela Rennó, Runo Lagomarsino, Alexander Apóstol, Alfredo Jaar, Tania Bruguera, Teresa Margolles, Tercerunquinto, Antonio caro. La idea es demostrar las importantes facetas que tiene el agua en nuestras vidas. Esta vez se profundizó en los recipientes que pueden servir para llevar el agua a personas que lo necesiten por cualquier motivo bajo la siguiente instrucción “Lección de humildad: donde quieras que estés, formá un cuenco con las manos y juntá agua. Pacientemente esperá a que un animal salvaje venga a saciar tu sed en vos”.

De esta manera se pueden observar los distintos conceptos que tienen dichos artistas sobre los recipientes adecuados para transportar el agua y con picardía pone en exposición el grado de humildad de cada uno de ellos, sus personalidades, según el envase que elijan. Después de todo El cuerpo es el recipiente del alma, según la cultura budista. Así de esta manera podemos ver botellitas de plástico, cantimploras con la palabra Colombia bordada en ella, hasta una bandeja utilizada para transportar cenizas de un cadáver, lo que nos hace pensar el precio que le pone cada ser humano como individuo al derecho al agua.

Otras actividades relacionadas son  Pieza para Atrapar Deseos (una propuesta pedagógica para incorporar estos mensajes en la cotidianeidad de niños de 5 a 8 años acompañados de sus padres recorriendo la muestra con ellos y descubriendo el significado de cada obra) , Inter-flux ( para niños de 9 a 11 años, en donde se les enseña a crear con distintos materiales, obras bajo el concepto  del inter-flux, desvalorizar el arte como mercancía) , Nombre Propio ( los niños eligen una selección de instrucciones y expresan de diversas maneras la traducción de los mismos, concluyendo con una pieza propia creada por su cuenta) , El Paso Previo a Ser Invisible ( de 12 a 18 años es un taller grupal para experimentar con sutiles percepciones cotidianas a partir de una selección de instrucciones del libro Pomelo de Yoko Ono) , Piezas Para la Audiencia ( performance en vivo recreadas por actores a cargo de Agustina Muñoz en las que se emulan las originales realizadas por la artista), Encuentro de Occidente con la Cultura Japonesa (curso sobre la cultura japonesa), Abrir la Palabra (análisis lingüístico de las palabras elegidas por Yoko en la muestra), Tercer Tiempo Yoko Ono ( encuentro pedagógico y familiar con un momento de reflexión después de recorrer la muestra). Por último se puede ver un ciclo de cine con una selección de cortos de la artista y co-producidos por John Lennon.

El evento se inauguró el 23 de Junio (se hizo una pre-inauguración el 22 de Junio) y será exhibido hasta el 31 de Octubre. Fue una iniciativa del director del MALBA, Agustín Pérez Rubio con el curador Gunnar b. Kvaran , director del  museo Astrup Fearnley en Oslo. El noruego hizo de intermediario para contactar a Yoko Ono quien tenía ganas de realizar una muestra mucho más grande que la primera en el país en 1998, que se basara solamente en las instrucciones. Si bien contiene obras que fueron exhibidas en grandes museos entre ellos el MOMA , esta selección nunca se vio antes. 

“Hace unos días hablamos con la asistente de ella, y estaba a punto de venir pero se enfermó. Sigue viviendo  en Nueva York, y nos dijo que ya tres argentinos cruzaron a Yoko por la calle y le gritaron que vieron la muestra, ella se puso re contenta y le dijo que nos avisara. Si bien Gunnar la conoce, haber tenido esta respuesta por parte directa de ella es muy emocionante” cuenta Josefina con satisfacción por la misión cumplida. El país es parte de una exhibición de honor, con material privilegiado y único que vale la pena visitar. Al final la imagen de Yoko y John celebrando con un cartel que dice: La guerra terminó (si vos querés) resuena como un eco en la cabeza mientras emprendemos nuestro camino a casa

SUBMUNDO PRESENTA A: CARLOS SCHEFFER

Carlos nació en La Plata el 26 de mayo de 1984, ahora vive en los hornos y se dedica a tiempo completo a su gran pasión: la música.

 A veces uno tiene una gran atracción hacía algo y no sabe muy bien por qué. Al principio cuesta entenderlo pero es así. Esas cosas no se cuestionan, los sentimientos se despiertan como una chispa que viene de algún lado y se vuelve un todo dentro de nosotros. De golpe estamos inmersos profundamente, hipnotizados, absorbiendo esa nueva pasión. Así le ocurrió a Carlos con la música, quien reconoce esa primera aproximación con un teclado que le regalaron los padres cuando era chico, pero que no terminó de convencerlo hasta unos años más tarde “A los años retomé, con un teclado mejor y otra profesora en otro barrio. Me gustaba la música sin duda, pero creo que nunca llegué a entenderla en aquel momento.”

Un par de años después terminó de  sumergirse en este submundo gracias a sus pares, si hay algo que si se aprende en la escuela es sobre bandas, es algo que todo chico de los 90’s para atrás sabe. Juntarse a escuchar un disco en la casa de un amigo era una actividad de culto “Un compañero del colegio me hablaba todo el día de Kiss, que su tío tenía todos los discos, y se los grababa en cassette, y qué se yo. Tendríamos 11 años. Un día estaba en Bahía Blanca visitando a mi viejo, y me enteré que una enorme tienda de discos de las que salían en la tele había inaugurado una sucursal en el centro. Quise ir a conocerla porque en La Plata todavía no estaban. Revolviendo entre las bateas aparece un cassette de Kiss, un compilado que habían sacado por esos días con clásicos, principalmente de la época de los '70. Estaba en oferta, así que lo compré para ver qué tanto tenía de especial esto de lo que me hablaba mi amigo todo el tiempo. Y bueno, llegué a la casa de mi viejo, lo puse en el equipo, subí el volumen sin mayores expectativas, apreté play, y listo. Algo cambió para siempre, me fui en un viaje y todavía no volví. Así que tocar la guitarra fue una consecuencia natural porque quería poder tocar los temas de esa banda”.

A pesar de su base Kissera se expandió y decidió incursionar en otros estilos que los siente de maneras distintas y los va ubicando en su mapamundi personal. “Yo me considero un guitarrista de Rock and Roll, que es lo que siempre se me dio de manera más natural desde los primeros días. Mis otros dos grandes amores son el Tango y el Jazz”.

“Esos son mis tres pilares principales, de los cuales el Jazz y el Rock and Roll serían en realidad parte de una misma cosa, porque ambos son la consecuencia del Blues cuando llega del campo a la ciudad y de ahí al mundo. Y el Tango es la música que me llega de manera más directa a las emociones, la patria musical, por decir. Creo que lo que más me atrae de esos tres mundos musicales es que, detrás de todo, lo que hay son canciones, historias”.  Si hay que hacer una localización más minuciosa ubica el alfiler en  Kiss (aunque hoy no los escuche tanto como antes, siempre se me escapa algún yeite de los que le robé a Ace) Rolling Stones, Beatles, Doors, Zeppelin, Hendrix, Slash, Dylan, Lou Reed, Pappo, Charly García, Pescado, Manal, Virus, Moris, Goyeneche, Edmundo Rivero, Piazzolla, Troilo, Oscar Alemán, Charlie Christian, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald.

Su primera banda la formó en su adolescencia. Se llamo Ocio, y muy lejos de ese nombre, trataban de componer canciones todas las semanas y tocarlas. Hoy en día está en Autopista 61 y La Silver Big Band. El material de Autopista 61 se puede escuchar online en YouTube y en todas las plataformas de streaming como Spotify, Deezer, Etc. Además se puede descargar en todas las tiendas como Amazon, iTunes, etc, y también se puede comprar desde todas partes del mundo en los diferentes formatos (CD/Vinilo/Cassette). Y también se pueden encargar por Facebook, o conseguir el material en los shows. Su dirección es http://www.facebook.com/autopista61/  , la pagina web: http://autopista61.com/ y pueden ver sus videos por el canal de You Tube: http://www.youtube.com/user/AUTOPISTA61. Por otro lado La Silver Big Band tiene un disco que se llama "Por Siempre Jazz", con clásicos de las grandes bandas, grabado en ION. Se puede conseguir en las presentaciones de la banda o contactándose por Facebook: http://www.facebook.com/LA-SILVER-BIG-BAND-264925360188013.

Con respecto a la grabación de su disco con Autopista 61 me cuenta lo siguiente: “Los días de la grabación con Autopista fueron bastante intensos. Era nuestro primer disco, una experiencia que nos tomó mucho trabajo, y para la que fue necesario el apoyo de mucha gente, ya sea dentro de nuestro equipo de trabajo, como el de todas las personas que nos ayudaron a financiarlo. A la vez estábamos codo a codo con profesionales de amplísima experiencia, como lo son Black Amaya, Alejo Stivel (producción) y Mario Breuer (Grabación, Mezcla y Mastering) , y teníamos que estar a la altura de las circunstancias. Creo que eso lo terminamos de comprobar durante esos días. Hace poco volví a escuchar el disco, y me sigue pareciendo muy bueno. Creo que de algún modo descargamos en las interpretaciones de los temas la vorágine de emociones que nos pasaban por la cabeza en esa época (grabar todos juntos y mirándonos las caras fue una buena decisión), la palabra de Alejo siempre fue acertada, y Mario ejecutó a la perfección, y fue clave para lograr el sonido. Lo más importante es que las canciones quedaron por encima de cualquier lucimiento individual, y eso es lo que queríamos desde un principio, contar historias.” 

Un poco de esa buena vibra que tienen entre compañeros es lo que le pasa también arriba del escenario y lo recuerda como los mejores momentos de su camino “Siempre que he tenido la oportunidad de trabajar con artistas de gran trayectoria ha sido muy valioso, y he aprendido mucho de todos ellos, pero no podría establecer un momento específico como hito en mi carrera. Para mi los mejores momentos de la música siempre suceden arriba de un escenario. Recuerdo muchos momentos con Autopista que serían difíciles de relatar, nosotros improvisamos mucho, nos gusta zapar y resolver las cosas en vivo, eso hace que cada show sea diferente y las canciones nunca se toquen exactamente igual, y eso da lugar a mucha espontaneidad. A veces alguno de mis compañeros toca algo, puede ser algo muy simple, una nota, un golpe, algo, y eso dispara en mi cerebro alguna electricidad, algo que me transporta, y puedo darme cuenta de que ellos también lo perciben y se dejan llevar, es como una magia, algo que te arrebata de la realidad, y cuando eso sucede en vivo se produce una energía increíble, es por eso que siempre tengo expectativa en cada nuevo show para ver qué es lo que va a pasar y de qué manera.”

Ahora nos movemos a un terreno más personal, de reflexiones en las que la música no solo es un trabajo sino parte de sus momentos de descanso “Mi único hobbie es pasar tiempo con mis amigos y divertirme. En el tiempo libre lo que más me gusta hacer es preparar el mate, llenar el termo, y sentarme a estudiar algo en la guitarra, o a veces simplemente tocar y explorar el instrumento sin ninguna pauta específica y ver adónde eso me lleva. El mejor momento es a la mañana temprano, o a la noche/madrugada. Y cada vez que puedo me junto con dos amigos, contrabajista y baterista, en una sala de ensayo a tocar standards de jazz y esas cosas”.

Aunque muchos digan “No tengo un mensaje en particular”, ese también es un mensaje. Como artistas siempre se está comunicando algo a través de la música o de las letras, en entrevistas, en la imagen. Carlos hace una introspección y resuelve “Mi bandera sería la de una música auténtica, honesta, con un sentido y una raíz, que se pueda rastrear al blues, al rock nacional, y que cuente historias que le puedan pasar a cualquiera, como los tangos... Me gusta la música que cuando la escuchás te trae alusiones a músicas anteriores, eso me acerca más al que está tocando o cantando, si escucho algo de blues, o un guiño a Dylan o a Lou Reed, una risa a lo Goyeneche, un yeite de guitarra a lo Hendrix, o uno a lo Oscar Alemán (¿porqué no pueden convivir ambos en un mismo solo?), seguramente eso toque alguna fibra íntima de mis emociones y haga que sin pensarlo me ponga a escuchar con más atención. Y me gusta sentir que el que está ahí cantando tiene algo para decir, además de simplemente "mirame, qué bien que canto y toco mi instrumento".

Le pregunté qué pensaba del futuro del Rock y aunque parece estar escondiendo la solución al problema me advierte que todavía no llegó a la fórmula perfecta “La verdad no se qué pensar. No sé cómo va a ser el futuro del mundo, y el rock es parte del mundo. En definitiva todo en este mundo funciona de la misma manera, unos pocos concentran el poder y el capital, y el resto vivimos con lo que ellos nos dejan. Esto no es algo nuevo en la historia, no es de este siglo, ni del siglo pasado. En el rock pasa lo mismo, y en todas partes pasa lo mismo. Si la gente no toma conciencia de eso, la situación nunca va a cambiar. Para el rock no sé cuál es la solución, te puedo decir cuál es el futuro que a mí me gustaría para el rock: Que las bandas toquen una música auténtica y con convicción, y que sean independientes, que tengan control sobre sus derechos de autor y todo lo concerniente al negocio, y que a su vez puedan contar con el apoyo de compañías que les aporten recursos para poder impulsar sus carreras. Ahora, cómo hacer para que eso suceda, todavía no te lo puedo decir.”

Por último, ya casi de una manera tonta me invade como siempre la necesidad de saber que significa la música para cada músico, y así de obvia parece la respuesta pero para mi sorpresa las respuestas siempre son distintas aunque siempre tengan un color positivo impreso “La música es la única cosa en mi vida que hace que todas las demás cosas que tengo que hacer tengan algún tipo de sentido en mi cabeza”.

CARLOS RECOMIENDA A: "Lo último que escuche de una banda nueva es el Vol. I de Las Armas Bs. As. Me gustó mucho el sonido que le pelaron, y tiene muy buenos rocks, y buenas guitarras".

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SUBMUNDO PRESENTA A: MAXIMILIANO CALVO

El cantautor es de Rosario, nació el 24 de noviembre de 1989 y es un nómada que comparte su música con el mundo.

Músico se nace. Los vagos recuerdos parecen una extensión del cuerpo. Esto significa que si algo es nuestro durante mucho tiempo, nos cuesta pensar que alguna vez no estuvo ahí. “Me recuerdan en mi familia siempre tocando algún tipo de tacho en casa mientras sonaba alguna música en la televisión” dice Maximiliano que parece abstraerse de ese primer acercamiento, pero lo inevitable ocurre. El artista no puede desligarse de los lazos que se anudan. Una vez conectado con la música, será una parte tuya para siempre, así que reformula: “Pero el recuerdo más patente que tengo es mi madre escuchando "El Amor Después Del Amor" mientras limpiaba la casa. Lo ponía en un AIWA negro de esos que tenían la disquetera arriba y los parlantes incluidos, con manijita. Divinos. Recuerdo escuchar a Páez y que algo sucediera en mí. Algo inexplicable, como la música, como el amor y como todas esas sensaciones que dan vida”.

Como el ojo del huracán, pacifico pero listo para absorber lo que aparezca en su camino, piensa que su inspiración no tiene por qué ser solo musical  “Te podría decir que cualquier estímulo, película, libro, cualquier disco, algún profesor de la secundaria es una influencia. Tengo la idea de que vienen de cualquier sitio y también son medio inexplicables. Uno pone todo en esa licuadora personal y de ahí sale un mensaje propio, original y auténtico”.

Maxi empezó con una banda llamada The Flowers Orchestra, compartida con miembros de la banda Indios y después fue parte de Intrépidos Navegantes. Hoy en día es solista pero tiene una banda que lo acompaña fielmente a todos lados. “Le he puesto al grupo que me acompaña en los conciertos LA MANADA GITANA”. Su estilo rioplatense viaja con él. El sonido suave pero con altibajos picados como la oleada de la costanera, cálido y lleno de historias que se topan frente a frente listas para ser convertidas en canciones, son el saludo de presentación del trovador argentino que rompe el hielo en cada lugar que pisa.  “Me gusta mucho caminar por las ciudades, intentar verlas desde afuera. Ver su funcionamiento, su pulsar, su gente, su color, sus hombres, sus mujeres, el modo en que la vida se desarrolla en esas costumbres o rutinas”.

Su único plan concreto es seguir viajando y llevar sus temas más lejos, pero cuando le pregunté por sus proyectos alternativos respondió lisa y llanamente: VIVIR.  Lo más importante para él es no perder la libertad y dejarse llevar a la hora de componer. Darle libre albedrio a las canciones. “nunca decido qué plasmar, las cosas suceden y ahí están. Intento no apegarme tanto al pulsar primero de cada canción. El tiempo pasa y la canción, la historia y su significado van creciendo.” Sus temas se pueden escuchar en su canal de You Tube o en las tiendas virtuales.

Haciendo un poco de retrospección tiene una visión positiva del futuro y le da en la yugular a la melancolía citando a Spinetta “Me gusta pensar que todos los momentos son memorables. Muchas veces enaltecemos tanto un momento de nuestra vida que luego no podemos superarlo. Hay algo en la forma en que recordamos a esos momentos. El pasado tiende a enaltecerse en los seres humanos. Siento que es como un mecanismo de defensa pero yo estoy con Luis, con la idea de que mañana es mejor”. Lo mismo con el Rock, cree que no es trascendente en la actualidad, prefiere no enaltecerlo. Por último le pregunto - ¿Qué es la música para vos?

-El arte de combinar los horarios, Jajaj!.

MAXIMILIANO RECOMIENDA A: Joaquín Plada "¡Joaco Plada es lo mas, lo re quiero!"


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SUBMUNDO PRESENTA A: PARIS LAFFORGUE

Nació el 7 de diciembre de 1991 en Buenos Aires, Argentina. Es baterista y pasó por muchas bandas, pero ahora se dedica a ser sesionista.

La familia es un gran pilar en algunos casos, a pesar de que no hubo ningún músico en su casa, Paris recuerda que influyeron mucho en sus gustos musicales (Queen, Spinetta, Soda Stereo, Los Beatles, Earth Wind & Fire) y alentaron su amor por la batería desde temprana edad. “La batería, mi primer y único instrumento, podría decirse que me fue encontrando con el tiempo hasta que decidí dedicarme de lleno a ella. No sé si fue por instinto mío de pendejo quilombero, pero por alguna razón cuando andaba en mis 6-7 años de edad, siempre le agarraba los baldes y cacerolas a mi abuela y les pegaba con unos cucharones de madera gigante y si hacía mucho ruido, me daban almohadones. Aún así necesitaba pegarle a las cosas.”

Haciendo un repaso fugaz en mi mente de los bateristas más emblemáticos de la historia de la música hay un factor Sine qua non que los une: la incesante energía. Son tipos hiperactivos o con una gran fuerza que es lo que les permite separase del resto de los mortales para hacer semejantes  despliegues en el escenario. En su caso, recuerda el primer contacto con una batería y como se decidió por el instrumento.  “Fue recién en el colegio dónde conocí a unos compañeros guitarristas y uno de ellos tenía un hermano más grande que era baterista. Un día fui a la casa y me metí en la habitación mientras él tocaba. Nunca me voy a olvidar el sonido del bombo pateándome la cara. Fue tremendo. Después de ir varias veces e insistirle que me deje tocar, terminó cediendo y me aseguré de pegarles a todos los cuerpos y platillos como me fuera posible.

Era una batería blanca, no recuerdo la marca. Tenía 4 o 5 toms, 2 toms de piso, doble bombo, mil platillos...te haces una idea. Cuando sos pendejo no lo asimilas como un instrumento, si no como un juguete para cagar a palos. El hermano de mi compañero vio que quedé re cebado, le pasó el contacto de su profesor de batería a mi vieja para que probara a ver si me gustaba y veíamos que onda.
A partir de ahí empecé a tomar clases, me compré un redoblante, después quise la batería completa y no es una tarea fácil que un padre ceda a comprártela.
Tuve que esperar un año y demostrar que lo del instrumento no era un capricho. Estudié, me la banqué y me la compraron. El resto es historia.”

En cuanto a las influencias cuenta que sus principales músicos son Roger Taylor, John Bonham, Matt Sorum y Joey Kramer y hace mención honorífica al característico ritmo de “We Will Rock You” que hizo a más de uno emularlo en mesas, banquitos, etc. Pero ya de grande empezó a interesarse más por los Sesionistas Steve Jordan, Steve Gadd y Abe Laboriel Jr. “Siempre me copó más la idea de estar con diferentes músicos que con una banda fija, pero cuando sos pendejo y nadie sabe quien sos, es más difícil que te llamen de distintos lados. Eso viene con la experiencia y el tiempo. Si sos un buen tipo y haces las cosas bien, todo llega solo.
Esa postura de tocar para la canción y hacerla sonar mejor, que te haga bailar, era la filosofía que adopté de estos tres y se podría decir que me marcaron para querer ser ese tipo de baterista cuando creciera.”

Como decía Bon Scott “Es un largo camino a la cima si querés rockear” y Paris pasó por todos los niveles, desde  los actos escolares donde le daban el bombo criollo porque, según él ya notaban su perfil inquieto, pasando por su primera banda Malestar en la que hacían covers de Catupecu Machu, Divididos y Nirvana, y por último sus últimas bandas que fueron Monde e Induvia  “Me abrieron muchas puertas hacia otros proyectos, músicos y oportunidades que de no haber formado parte, hoy capaz no estaría donde estoy.” Hablando un poco de esas oportunidades, resalta como su mayor logro haber estado en un estudio de grabación y cuando tocó por primera vez “Con el paso de los años a uno le van surgiendo eventos cada vez más grandes e importantes y no puede evitar pensar que a la vuelta de la esquina puede estar esperando algo que te marque más todavía. ¿Fue el primer recital el más importante o es este que logré ahora? Depende como se interprete puedo considerar lo viejo o lo nuevo como un logro.
Aún así creo que los logros los asumimos cuando llegamos hasta cierto punto, miramos hacia atrás y pensamos en todo lo que hicimos para estar donde estamos. Influenciar a otra generación de bateristas sería un logro al que aspiro.” Su trabajo lo podés escuchar en FB: https://www.facebook.com/paris.lafforgue e Instagram: https://www.instagram.com/parislafforgue/

Con muchas ganas de seguir avanzando y abierto a las posibilidades, Paris me cuenta que si bien ahora está metido de lleno con el sesionismo piensa a futuro retomar con la docencia, filmar tutoriales, armar ejercicios y rutinas de práctica en forma de videos. También cuenta que lo próximo es una gira fuera del país con la banda Nadin. “Vamos a estar tocando por Brasil y Japón durante el mes de Septiembre y Octubre. Luego volveré a retomar el trabajo de estudio y veré que me depara el resto del año.” Respecto a sus trabajos paralelos hace Drum Doctor en grabaciones y en ocasiones prepara baterías para los vivos, pero no todo es batería, dentro de sus hobbies disfruta mucho la pintura, el cine y la lectura: “Hace poco terminé un libro que se llama ''Zen and the art of motorcycle maintenance'' de Robert M. Pirsig y me abrió mucho la cabeza. Lo recomiendo.”

Desde un punto de vista más introspectivo le pregunto sobre las filosofías de la música. Aspectos que inquietan a los que vivimos en este submundo y desde la vista de un músico comparte su mensaje “Mi mensaje hacia otros bateristas y porque no también a otros músicos es que nunca paren de progresar y que jamás se sientan satisfechos con lo que hacen. También que no sean boludos. Podés ser el más virtuoso de todos pero si sos una persona complicada, nadie va a querer laburar con vos. Y persistencia, mucha, mucha persistencia.” Con respecto al futuro del rock piensa: “El rock es un género muy joven, en especial en Argentina. Hay una nueva oleada de músicos llenos de talento que no paran de surgir día a día y me quedo asombrado por la cantidad de talento que hay dando vueltas. Yo creo que es el turno de que el rock vuelva a posicionarse allá arriba y destrone a toda esa música plástica y vacía de radio que los medios quieren que consumamos”  y por ultimo reflexiona sobre la importancia de la música en su vida: “Para mí la música es un estilo de vida. Es con lo que empiezo el día y lo que me genera insomnio a la noche. Siempre tiene una puerta nueva para que cruces y te sorprenda con lo que puedas encontrar del otro lado.”

PARIS RECOMIENDA: “Una artista que me gusta mucho es lo que está haciendo Marilina Bertoldi como solista. Esa mujer es muy osada y no tiene miedo de mostrar todo lo que tiene para decir. Es distinto, es fresco. Todos los artistas deberían animarse a lo nuevo, a lo diferente. Se sorprenderían por la cantidad de música nueva que hay dando vueltas. Falta más exposición al artista under.

Después una banda que me gusta mucho es Finnegans. Tuve la suerte de volverme amigo de ellos con el paso del tiempo y hasta compartir escenario juntos. Lo mismo de antes, un sonido nuevo, una puesta en escena diferente. Estos chicos no tienen miedo de ser oscuros y si tienen que pintar todo de negro, lo van a hacer. Soplan vientos fuertes en dirección de esa banda.”

ESCUCHA A PARIS ACÁ

                                         

SUBMUNDO PRESENTA A: JULIETA RADA

Nació el 25 de mayo de 1990 en Buenos Aires actualmente vive en Montevideo y si pudieron sacar buenas conclusiones, si, es la hija de Rubén Rada. Pero vamos a enfocarnos en su carrera solista.

Si bien desde chica sintió una inclinación hacia el arte, nunca miró para el lado de la música:   “Recién a los 16 años me dieron ganas de estudiar canto y ahí empecé a cantar. Pero fue algo que se dio solo, no hubo nadie que me impulsara o que me insistiera”. Y llega a la conclusión que lo que puede haber influido en su decisión es haberse criado en una casa de músicos. “Mi padre es mi mayor influencia musical....y lo que más le admiro es que no deja nunca de hacer lo que le gusta. Todos los días se dedica a la música...ese es el mensaje que tomo...trabajar todos los días en lo que te apasiona”.

En sus comienzos tocaba en un boliche llamado Fun Fun con Urbano Moraes, Nicolás Ibarburu, Martín Ibarburu y Nicolás Sarser. Recuerda esos momentos con felicidad “Ahí tocábamos covers...digamos que fue mi primera "banda", pero en realidad éramos amigos que tocábamos en un boliche, ni siquiera teníamos un nombre. Pero disfruté mucho toda esa época”.  También destaca un día muy especial para ella que fue fundamental para su carrera “Un momento muy lindo fue cuando me presenté con Nicolás Ibarburu a un concurso de composición en una categoría de candombe. Fue increíble porque ganamos y gracias a ese premio pudimos pagar parte del disco. Nos dio más de seguridad en lo que estábamos haciendo”.

En cuanto a la actualidad define su sonido de una manera amplia y parece no tenerle miedo a explorar nuevos caminos si lo siente así “La idea de los discos que saqué era hacer canciones que mantuvieran las raíces de la música uruguaya, más que nada del Candombe y también poder fusionarlas con otros estilos de la música negra como el funk, soul, jazz, rock, etc. Esa es la idea inicial, después se puede ir para otro lado.”  Si hay algo que queda clarísimo es que tiene todas las pilas para seguir trabajando y que la vamos a ver por mucho tiempo en la escena. Ahora se encuentra planificando sus próximos pasos “Quiero hacer un video de una canción del disco Corazón Diamante que se llama "Dombe". La idea es que sea un video todo bailado y que muestre la danza del Candombe fusionado con estilos afros. Más adelante grabar un disco con un audio más rockero. Pero mientras tanto seguir tocando mucho”. Su material se puede escuchar en Spotify, Dezzer, iTunes, Youtube y también se pueden comprar los discos físicos. 

Ella me confiesa que es de pocas palabras, pero sin dudas es una mujer de muchas ideas y energía, que elige mezclar sonidos, conceptos y no tiene miedo en probarlos. Se expresa mediante la música y me revela que tiene otras maneras que por ahí se anima a explorar para volverlos proyectos futuros: El baile y la actuación. “Uno tiene que hacer lo que le gusta y dejar todo por eso”. Actualmente se encuentra nominada para los Premios Gardel en la terna Mejor Álbum Nuevo Artista Pop.

Por último le pregunté qué pensaba sobre el futuro del rock y me respondió que va a seguir transformándose como siempre pero siempre va a estar presente y finalizó “La música es lo que más me emociona, siento que es lo que me conecta con otras personas y con el mundo”.

Escucha a Julieta Acá: